tag:blogger.com,1999:blog-26647448255873801372009-06-22T23:43:18.682-07:00fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.comBlogger52125tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-4841413122393850482008-09-19T11:29:00.000-07:002009-03-15T11:30:27.353-07:00Життя приносить в танець нові хореографічні вимірювання, нові пластичні інтонації і кожен хореограф, якщо він хоче бути сучасним не тільки в сенсі прочитання на сцені сучасної тематики, але і використання всіх можливостей сучасного хореографічного мислення, повинен бачити і помічати в самій дійсності зародження і розвиток нових пластичних “фарб”, пластичних образних ресурсів. До класичного танцю я відношуся не як до виробленого століттями канону, в нього вкладається естетичний ідеал сучасності, танець наповнюється стрімким, пульсуючим ритмом життя, оскільки мірилом художності для танцю як і раніше залишається здатність сучасно бачити мир і перетворювати його в пластиці, близькій і зрозумілій сучасній людині. Процес поповнення хореографічної лексики відбувається в танці за рахунок збагачення класичного танцю пластичними мотивами національної характерності, раціонального використання пантомімічних виразних засобів, елементів спорту, художньої гімнастики, акробатики, творчого відновлення і використання обширного арсеналу академічного танцю. Для мене танец-ето образ в русі і музиці, який необхідно майстрово передати, донести до кожного глядача, образ незвичайно виразний, але в той же час наділений образотворчими правами балетної пластики. Зображальність і виразність в танці змагаються один з одним, ніколи не втрачаючи глибину думки і не йдучи в розріз з поетикою танцю.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-484141312239385048?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-37365091044709472042008-09-18T12:38:00.000-07:002009-03-15T12:40:24.284-07:00Ідея модерну-танцю виключно важлива. Тільки вона допомагає стати танцю емоційно і плотський "навантаженим". Людина, що сидить в залі для глядачів як би занурюється в океан тілесної графіки і музики. Глядач не помічає сусідів, не відчуває обмеженості залу, він повністю включається в простір, в якому відбувається дія, переноситься в іншу, паралельну реальність - реальність танцю. Своєю ідеєю і естетичною формою танець повністю поглинає людину. Споглядання доставляє невимовне задоволення.<br />Модерн танець - дітище XX століття. У цьому стилі танцювали і досих пір танцюють багато найбільших танцівників - Плісецкая, Васильев, Андріс і Ілза Лієпа.<br />Модерн поступово трансформується в пост-модерн, яскравими представниками якого можна назвати Ейфмана, Моріса Бежара. Їх хореографія більшою мірою асоціативна і імпровізационна.<br />Модерн-танець - це своєрідний пласт в мистецтві танцювання, не схожий ні на класичний балет, ні на джаз-танець, ні на бальні танці. Як і всі ці напрями, він володіє своїм, неповторною специфікою, витонченістю, енергетикою.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-3736509104470947204?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-56833904518760338102008-09-15T11:28:00.000-07:002009-03-15T11:29:22.544-07:00Сучасні хореографи шукають шляхи вдосконалення хореографічної образної системи за рахунок максимального виявлення емоційно-виразної сили танцю. Причому танцювальний симфонізм в балетах Ю. Грігоровіча, І. Бельського, О. Віноградова і інших зростає з симфонічної єдності музичної, хореографічної і живописної драматургії. І. Бельський дозволяє танцю жити в правилах симфонічної музики і лише з нею порівнює закони танцювально-образного розвитку. Прагнення до інструментального розвиненого танцю в балетах І. Бельського “Ленінградська симфонія”, “Дев'ята симфонія” на музику Дмитра Шостаковича дійсно сприяють досягненню нових, цікавих і змістовних завдань, додає балетним спектаклям високу пристрасність, публіцистічность. Звернення хореографів до симфонічної музики, не розрахованої на спеціальне втілення в балетній пластиці, може обернутися і втратою багатозначності, асоціативної щедрості, психологічної глибини сприйняття музичного матеріалу, бо існує естетичний закон не переложімості образотворчо-виразної образної системи одного виду мистецтва в іншій і з ним хореографи не можуть не вважатися.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-5683390451876033810?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-48103716368615568582008-09-13T12:37:00.000-07:002009-03-15T12:38:54.051-07:00Поняття модерну-танцю з'явилося в руслі поширеного в 20-х роках стилю модерну. Цей стиль включав дві протилежності. З одного боку, він вбирав в себе риси елітарної культури, з іншої - в нім був присутній революційний дух мас, пануючий у той час. Основне завдання полягало в тому, щоб високі елітарні канони спустилися до низів. Модерну поступово набував риси масовості. "Ексклюзивна культура" відходила на другий план.<br />Стиль модерну своєрідний, оскільки акцент в нім робиться, перш за все, на спогляданні. Іншими словами можна стверджувати, що за основу в модерне узято етичне сприйняття. У других, модерн володіє своєю філософією, яку творець укладає в певну форму, поза сумнівом, що ставить своєю за мету гармонійне сприйняття.<br />В лоні цього стилю виникла нова форма танцювання, яка і почала називатися "модерном-танцем". Витонченість, своєрідність і нестандартність модерну-танцю примушує привертати до себе увагу людей з різним достатком, абсолютно несхожими інтересами, занять, що відрізняються по роду.<br />Основоположниками модерну-танцю є Марта Грехем, Айседора Дункан, Дорес Хамфрі. Цим людям зобов'язані своєю появою цілі школи, танцювальні напрями по всьому світу. Слід зазначити, що ці школи абсолютно не схожі один на одного по стилю і техніці танцювання.<br />Модерн-танець немислимий без людини, яка утілювала б ідею в своєму танці. Залежно від того, яка ідея танцю, будується хореографія, її форма. Пластика, ритм, настрій модерну-танцю знаходяться в безпосередній залежності від конкретного танцівника. Модерну-танцю властива сьогохвилинна, висока частка імпровізації.<br />Не дивлячись на те, що в модерні-танці використовуються фігури класичної школи танцювання, він все одно характеризується винятковістю. Велика увага приділяється графіці руху, формі фігур, ритму і ракурсу виконання. Побудова танцю в основі своєю має візуальне сприйняття людини. Всі рухи повинні бути гармонійні, один рух перетікає в інше, подібно до того, як людина плавно і органічно йде по землі, або ж немов дерево, що коливається під поривами вітру. При цьому всі рухи повинні демонструвати стан душі виконавця, ідею, роль, з якою на момент зріднився актор-танцівник. Саме унаслідок спроби досягти більшого уособлення ідеї, модерну-танцю властива часта зміна фігур. Хореографія повинна повністю відповідати музиці. Модерн-танець може виконуватися не під ритм, але завжди під музику. Під'їм в музиці відповідає "підйому" в хореографії і навпаки. Все музично і гармонійно.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-4810371636861556858?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-39053379861252306882008-08-30T11:22:00.000-07:002009-03-15T11:27:46.121-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 351px; height: 226px;" src="http://www.baku.ru/club/theater/images/balet-011167391.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 322px; height: 455px;" src="http://regs-mektebi.narod.ru/image/yar.jpg" alt="" border="0" /><br />Національне і інтернаціональне в хореографічному образі. Будучи мистецтвом справді загальнолюдським, доступним без какого- або перекладу людям всіх рас і континентів, танець завжди несе в собі певне національне забарвлення. Проводячи аналогію з музикою, треба відмітити, що подібно до того, як музичні інтонації, народжені на основі реалістично життєвих інтонацій відбиваної історичної епохи, носять яскраво виражений національний характер, так і пластичні танцювальні рухи набувають у того або іншого народу національної неповторної характерності. Мова пластики через свою загальнолюдяну зрозуміла і доступна в тому “натуральному” вигляді, в якому його створює народ. Хореографія, як вища форма танцювального мистецтва, увібрала в себе риси національної специфіки, але ступінь співвідношення в ній національного і загальнолюдського має свої особливі закономірності, особливу форму заломлення. Якщо в народному танці національне виявляється більш опукло і наочно, то академічний танець відмічений друком національної своєрідності вже в значно меншому ступені. Мова класичного танцю інтернаціональна, не дивлячись на національне забарвлення, яке він всякий раз набуває в тій або іншій країні. Наприклад, коли дивишся на наший сцені “Вмираючого лебедя” Сен-санса, не відволікаєшся від істинно російської своєрідності в передачі душі танцювальної<br />композиції, разом з тим осягаєш той глибокий загальнолюдський сенс, закладений в цьому камерному хореографічному творі. Конкретне дослідження взаємозв'язку і взаємовпливу національного і інтернаціонального моментів в хореографічній образності розкриємо на прикладі танцювальної культури Азербайджану. Використання прогресивного хореографічного досвіду відбувалося в азербайджанському балеті: по-перше, завдяки виникненню школи класичного танцю і освоєнню величезного матеріалу російської і світової хореографічної класики; по-друге, за рахунок прочитання образотворчо-виразних можливостей класичного танцю під кутом зору оригінальної національної форми. Азербайджанський балет, узявши на озброєння естетичні принципи передової російської хореографії, зміг незабаром зробитися цікавою творчою “лабораторією”, де художній синтез національного і загальнолюдського, став вирішальним принципом хореографічного образного мислення. Аналізуючи балети “Дівоча башта”, “Сім красунь”, “Легенда про любов”, можна зробити вивід, що танцювальний фольклор необхідний балету не для етнографічної достовірності хореографічних образів, а як засіб прояву, як єство їх свідомості. Так, хореографічне втілення образів в балеті “Сім красунь”, створених засобами класики, але заломлених через призму пластичних інтонацій азербайджанського народного танцю, відповіло багатющим виразним можливостям музики Караєва, в якій знайшли прекрасне перетворення принципи симфонічного мислення в хореографії, відкриті Чайковським, підхоплені потім Глазуновим, Стравінським, Прокофьевим. Н.В. Гоголь, кажучи про творче використання діячами хореографії танцювального фольклору, писав: “Керуючись тонкою розбірливістю, творець балету зможе брати з них (народних танців-прим. автора) скільки хоче для визначення характерів тих, що танцюють своїх героїв”. Саме для правдивої реалізації хореографічних образів Гоголь закликав хореографів не відриватися від рідного національного грунту, вбирати її образи і світовідчування, її мудрість і фантазію, її свіжість і глибину, але ніколи не забувати про головне достоїнство дійсного художника - про силу її потужності художнього узагальнення - головну зброю реалістичного створення образу. Тут все залежить від самого хореографа: чи буде він бачити в народному танцювальному мистецтві архаїчне і застигле явище, або навпроти, явище, що розвивається разом із зростанням духовної культури всього народу. Практика російського багатонаціонального балету незмінно доводить, що в народній творчості важливо відчути і підхопити традиції живі, дихаючі пульсом сучасності, традиції, спрямовані в майбутнє. “Юність” Чулаки- Фенстера, ”Дівоча башта” Бадалбейлі-алмасзаде, ”Серце гір” Баланчивадзе- Чабукиані, ”Маруся Богуславка” Свечникова-сергєєва, ”Сакта свободи” Ськулте- Чанги, ”Шурале” Ярулліна-якобсона, ”Сім красунь” Караєва-гусева, “Кам'яна квітка” Прокофьева-грігоровіча та інші з'явилися хореографічними полотнами, що внесли великий внесок як в становлення реалістичного методу російської хореографії, так і у вдосконалення і поповнення хореографічних образних ресурсів. Переростання національного в інтернаціональне в мистецтві танцю завжди пов'язано з відкриттям нових хореографічних світів, які, будучи творчим продовженням пізнаного і досягнутого, розширюють горизонти мистецтва за рахунок виявлення самобутніх і сильних сторін, властивих кожній національній культурі. Діалектика взаємозв'язку національного і загальнолюдського, що враховується естетичною наукою, стосовно хореографії полягає в тому, що витвір хореографічного мистецтва зі всіма властивими йому формами, прийомами, методами національного музичного і танцювального мислення, виходячи з національних рамок, стає явищем інтернаціонального звучання. Балет “Легенда про любов” Мелікова-грігоровіча, що став не тільки для азербайджанського, але і всього балету найважливішої<br />вершиною хореографічної думки, утверділ в хореографії ті поглиблено<br />аналітичні початки, ту філософську глибину і змістовність, які<br />характерні для мистецтва взагалі.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-3905337986125230688?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-48325206384912821802008-08-19T11:15:00.000-07:002009-06-22T23:43:18.692-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 481px; height: 500px;" src="http://www.marte.ru/user_img/Alevtina2.jpg" alt="" border="0" /><br />par{ Хореографічне мистецтво включає різні види мистецтв - музику, власне хореографію, драматургію, живопис. Кожен з них, заломлюючись відповідно вимогам даного виду мистецтва, стає необхідним компонентом хореографічного образного мислення. Але балет-мистецтво пластики і саме їй належить ведуча, основна роль в створенні хореографічного образу. Специфіка хореографічної образності полягає в танцювально-пластичному розвитку, і мислення образами самих танців є єдиним способом розкриття і втілення характерів в балеті. Змістовність хореографічного образу тісно пов'язана із змістом всього драматургічного задуму балету, який в процесі створення збагачується музичними, пластичними і живописними характеристиками, і разом з ними предстає в новій єдності музики, пластики, драматургії, живопису. В тому випадку, якщо ця єдність не порушує цілісності пластичного образу, а, навпроти, створює необхідні передумови для його художнього сприйняття, ми маємо справу з таким синтезом, в якому жодна сторона образної специфіки не домінує за рахунок іншої. Так, образи Данила, Катерини, Господині Мідної гори в балеті ldblquote{ Кам'яний цветок”{ узяті з уральських оповідей П. Бажова, але образами хореографічними вони стали завдяки дивовижному художньому баченню балетмейстера Ю. Грігоровіча, що створив власне хореографічну ldblquote{ партітуру”{ на основі тонкого прочитання музичної партитури С. Прокофьева. Живописна гармонія<br />костюмів і декорацій С. Вірсаладзе чудово сприяла злиттю<br />образних можливостей музики і пластики. Якісно новий музично-хореографічний синтез до кінця XIX століття в балетах Чайковского-Глазунова-Петипа-Иванова змусив переглянути не тільки цілі, завдання хореографічного мистецтва, але і всю його поетику. Образність танцю, народжена на основі органічного синтезу музики і хореографії, володіє новими достоїнствами, якісно відмінними від достоїнств окремо вхідних в неї компонентів. Естетично закономірною представляється та обставина, що справжні художні відкриття хореографічного мистецтва завжди залежали від моменту злиття і співдружності цих двох споріднених за природою видів мистецтв. Представниками сучасної зарубіжної хореографії є Мерс Кеннінгем і Алвін Николаїс. Головне затвердження цих хореографів полягає в тому, що єдиним змістом танцю є сам танець. Представники подібного поширеного в країнах Європи і США напряму відкидають думку про те, що “ сюжет” або яке-небудь “ зміст” необхідний балету. Вони затверджують незалежність танцю, як виняткового комплексу рухів. Прагнення подолати натхненну, високо поетичну природу танцю виражається у них в обігу до персоною, емоційно не сприйманій конкретній музиці і повинно привести, по думці Мерса Кеннінгема, до “ створенню образу, що творить мир за межами уяви”. Метод, використовуваний при постановці своїх балетів, Кеннінгем називає “ методом випадковості”. Кеннінгем починає творення з руйнування, тобто намагається розкласти танець на його множітелі-отдельно ритм, положення тіла і тривалість руху, після чого прагне зібрати ці розрізнені компоненти навмання. Таким чином, констатує він, всі елементи танцю визначаються чинником випадковості. Що ж до музики, то з нею танцюристи взагалі не знайомляться до генеральної репетиції, щоб не відчувати себе прикованим до звуків. Алвін Николаїс направляє зусилля на те, щоб позбавити жест його звичної функції і отримати “ простий кінетичний виклад” рухів людського тіла, що містить, на його думку, відчуття “ тяжкості, світла, товщина” і так далі, тобто, кажучи іншими словами, прагне одушевленого і емоційно-виразного танцюриста на сцені перетворити на щось схоже на запрограмований кібернетичний пристрій. Новоявлені авангардисти не самотні, оскільки ірраціоналізм, відмова від змістовності іськусства-оборотная сторона численних течій<br />сучасної зарубіжної культури.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-4832520638491282180?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-55981538859973300102008-08-18T11:17:00.000-07:002009-03-15T11:22:07.842-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 373px; height: 265px;" src="http://www.bashopera.ufanet.ru/image/belosn/6.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 450px; height: 342px;" src="http://www.ekvus.kirov.ru/kukumber_1.jpg" alt="" border="0" /><br />в хореографічних спектаклях, починаючи з балету “Полум'я Парижа” В. Вайнонена, і далі в ”Лауренсиі”, ”Серце гір” В. Чабукиані, ”фонтані Бахчисараю” Р. Захарова, ”Ромео і Джульєті” Л. Лавровського, ”Шурале” Л. Якобсона і інших синтез класичних і народних танцювальних форм йшов шляхом, далеким від прямого копіювання і буквального перенесення на сцену елементів народної танцювальної виразності. Хореографічна образність, рішення в них засобами класичного танцю, отримує оригінально-яскраву національну характерність, а це, у свою чергу, невимірний розсовує горизонти виразності танцювальної лексики. Блискучий приклад тому - роботи талановитого балетмейстера Ю. Грігоровіча, творчий метод якого увібрав багатообразні форми пластичної інтонації, але разом з тим, в нім власне танцювальній виразності відводиться та, що визначає, веде роль. Балети Грігоровіча “Кам'яна квітка”, “Легенда про любов”, “спартак” стали кращим доказом того, що художня правда образів хореографічного мистецтва полягає не в зовнішньому пластичному копіюванні навколишнього життя, а поміщена в емоційно-смисловій правді танцювальної образності, народженої на основі використання всіх різнорідних компонентів пластичної мови, перелитих індивідуальністю хореографа в неповторну танцювальну форму. Розглядаючи значення пантоміми як певного елементу образотворчого початку в хореографічній образності, слід зупинитися на відмінності танцю від пантоміми. Якщо танець в своїй суті узагальнений і багатозначний, то пантоміма в балеті служить як би безпосереднім емоційним відгуком на практичну взаємодію людини і навколишнього світу. Танцю більше властива виразна здатність передавати якнайтонші стани людського духу, пантоміма завжди образотворча. Пантомімноє рух конкретний, сьогохвилинно, в нім об'єктивно закладена характеристика лише даного моменту, відображеного в своїй неповторності прояву. Танець абстрагує, пантоміма конкретизує. Досліджуючи співвідношення образотворчо-виразних початків в<br />хореографічній образності, саме танець є щонайпершим носієм<br />балетній образності, тоді як пантоміма лише вірний помічник танцю в<br />створенні розгорненого пластичного полотна.<br />Загальноестетичний аналіз синтезу виразних і образотворчих початків<br />у хореографічній образності, був досягнутий до кінця XIX століття М. Петіпа і<br />Л. Івановим. Тут пальма першості незмінно віддавалася виразності<br />що визначає природу танцювального мистецтва, такою близькою самій природі<br />музики. Образність в балетах “Лебедине озеро”, “Спляча красуня”<br />“Лускунчик”, “Раймонда” знаходять своє втілення в потоці, що ллється<br />танцювальних сцен, в хореографічних побудовах, що змінюють один одного<br />споруджених за допомогою безмежної довіри до глибини поетичного<br />узагальнення класичного танцю, здатного бути незамінним “інструментом” в<br />руках умілого творця. Новим реформатором балету, поборником<br />образотворчого початку в хореографії став М. Фокин, але саме він подарував<br />миру класична досконалість “Вмираючого лебедя” і “Шопеніани”, органічно<br />що продовжують кращі досягнення російського балету в області симфонічного<br />танцю. Прагнучи наблизити до життя мистецтво балету, Фокин наново<br />розподілив акценти виразності, додавши при цьому великі<br />допоміжні повноваження образотворчому початку. Зображальність в<br />балетах “Петрушка”, “Жарптиця”, “Шехерезада” була для хореографа засобом<br />правдивого прочитання багатогранних характерів, життєвих ситуацій<br />природних людських вчинків. Віддаючи перевагу образотворчому<br />вірніше змістовному початку, Фокин завоював нові рубежі виразності<br />хореографічного мистецтва.<br />У мистецтві балету, здається, не можна ставити які-небудь заборони і<br />висувати апробовані шляхи відносно взаємодії образотворчих і<br />виразних початків. Головне полягає не в тому, який образний початок<br />превалює у того або іншого балетмейстера, а в тому, якому завданню воно<br />служить, яку ідею і як, яким чином воно розкриває. Категоричних<br />думок і готових рецептів в дозуванні зображальності хореографічної<br />образності ніколи не існувало і існувати не буде. Мірилом тут<br />завжди залишаться талант балетмейстера, композитора, живописця, їх<br />здібність до творчої гармонії, до підпорядкування системи ізобразітельно-<br />виразних засобів свого мистецтва єдиному, такому, що розкриває істотне<br />насправді, художньому задуму.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-5598153885997330010?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-66565120673590038662008-08-15T11:11:00.000-07:002009-03-15T11:11:49.056-07:00Естетичні питання хореографії в наший спеціальній літературі до цих пір ще представляють мало вивчену область. Відбувається це тому, що за давньою традицією хореографічне мистецтво незаслужено вважається вузьким, суто специфічним, відокремленим від широкого круга світоглядних проблем, що стоять перед наший естетичною наукою. Тим часом, багата і багатообразна практика балетного мистецтва, не випадай вона з сфери наший<br />естети, могла б мати для неї велике значення. Наше балетне мистецтво пов'язане з новаторськими пошуками художнього освоєння об'єктивної реальності, його насущні проблеми входять в загальне русло проблем естетики. Будучи мистецтвом достовірно інтернаціональним, танець переноситься з країни в країну, постійно збагачуючись і розвиваючись. Кращі твори класиків хореографії Доберваля, Перро, Петіпа, Іванова, Фокина продовжують жити, на багато десятиліть, а іноді і на ціле сторіччя, переживаючи своїх геніальних творців. Російське хореографічне мистецтво, звертаючись до вершин хореографічної думки минулого, відбирає для себе все нескороминуще, здібне до розвитку, до вдосконалення художніх можливостей танцювальної мови. Сьогодні наше балетне мистецтво, як ніколи, переживає період бурхливого зростання, сміливо оновлює свою образну поетику, образно-емоційний зміст, органічно здібний до танцювально-пластичного виразу передових ідей сучасності.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-6656512067359003866?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-44478058692879957292008-08-11T11:11:00.000-07:002009-03-15T11:13:34.797-07:00Кожен вид мистецтва, осягаючи завдяки своїй образній специфіці ті або інші сфери об'єктивної реальності, вже через цю обставину володіє своїми, тільки йому властивими закономірностями. Перш за все, тут<br />треба відзначити своє особливе художнє перестворення миру, властиве тільки даному мистецтву, об'єктивно закладене в системі його образотворчо-виразних засобів. Те, що характерний для музики, відмінно від того, що осягнувся поезією або живописом. Проте обмеженість в безпосередньому віддзеркаленні, властива кожному мистецтву, насправді обертається його багатозначністю, збагненням суті. Мир хореографічної образності диктує свої закони відображення дійсності, засновані не на буквальній відповідності життєвого і художнього матеріалу, а на ступені вірності метафоричному, поетичному віддзеркаленню життя. Балет, через свої ізобразітельно- виразних можливостей більш, ніж інший вид мистецтва, чужий натуралістичній подробиці, життєвій повсякденності, буденній достовірності. Разом з тим, балетмейстер-композитор танцю, не може творити поза зв'язком з дійсністю. Зв'язок носить не буквальний, а опосередкований характер, вона необхідно здійснюється з урахуванням загальних естетичних законів і образності хореографічного мистецтва. Мова танцю - це перш за все мова людських відчуттів і якщо слово щось позначає те танцювальний рух виражає, і виражає тільки тоді, коли знаходячись в сплаві з іншими рухами, служить виявленню всієї образної структури твору. Узагальненість і багатозначність хореографічної пластики вимагає застосування особливих законів відображення дійсності, хореографічних образів, що полягають в поетичній умовності. Секрет дії танцю полягає в силі вирази людських дерзань, в передачі відчуттів високого напруження, у відверненні від всього дрібного і випадкового. Хореографічні образи, як правило, несуть в собі відображення етапних, ключових моментів життя, і завдяки своїй високою опосредованності і схвильованій підведеній вони виявляються здатними спіткати її суть. Я принципово заперечую проти тверджень, що зустрічаються в наший естетичній літературі, в яких за мистецтвом балету зберігається лише право на “правдиву ідеалізацію” дійсності. Подібний висновок, на мій погляд, виводиться прихильниками однопланового, обмежувального розгляду балету, принаймні, з двох невірних посилок. По-перше, специфічна умовність і узагальненість системи ізобразітельно- виразних засобів хореографічного мистецтва розглядається ними лише як мова з образними можливостями одній тільки ідеалізації; по-друге, в даному випадку не враховуються кращі реалістичні традиції нашого балету і його витоки в російському дореволюційному балеті. Тим часом, завдяки ним наше сучасне хореографічне мистецтво має на своєму озброєнні “Полум'я Парижа”, ”фонтан Бахчисараю”, ”Ромео і Джульєту”, ”Серце гір”, ”Шурале”, тобто такі балети, які загальновизнано стали кращою школою, кращими провідниками реалістичного методу в хореографії. Звертаючись до художньої практики російського балету, простежується тенденція, пов'язана з виявленням нових, невикористаних раніше можливостей образного віддзеркалення дійсності, у тому числі і свого ракурсу в підході до сучасної теми. У творчості провідних російських хореографів Ю. Грігоровіча, Л. Якобсона, І. Бельського, Н. Касаткиной і в. Васильева, О. Віноградова і інших все наполегливіше і визначеніше проходить думка про те, що зовсім не будь-який зміст доступний балету. Головне для змісту майбутнього балетного спектаклю - це органічно закладені в нім передумови музично-хореографічної образності. Новий органічний зв'язок змісту із стихією музикально- хореографічної образності яскраво проявив себе в таких хореографічних полотнах, як “Легенда про любов”, “Беріг надії”, “Ленінградська священна”, “Паганіні”, “Асель”, “спартак” та інші.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-4447805869287995729?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-46801892478620060582008-07-29T11:01:00.000-07:002009-03-15T11:07:45.814-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 360px; height: 239px;" src="http://img-fotki.yandex.ru/get/21/genabasov.3/0_108c2_541fafcb_XL" alt="" border="0" /><br />Мельбурн шаффл - це стиль танцю, який відбувся в кінці 80-х років в Австралії, в андеграунд-сцене міста Мельбурн. Це типові для джазу танцювальні рухи (степ), але на «сучасний» лад, і танцюють його під жорсткі стилі музики, такі, як Hardstyle, Schranz Techno, Hard-trance, Jumpstyle.<br /><br />Ще цей танець звуть «Hard dance».Шаффл є одним з декількох танців, які виникли в епоху стилю музики acid house. У цю ж епоху відбулися і інші аналогічні танцювальні стилі jacking, степ. Проте, жанр acid house став різноманітнішим і розділився на два разних підстилю з однією філософією: бек-степ і шаффлінг. Шаффл продовжував розвиватися в нічних клубах Мельбурну і інших рейв-тусовках впродовж багатьох років.<br /><br />Багато заходів, клубів, співтовариств брали участь в розвитку цього стилю танцю впродовж багатьох років.Сучасні шаффл танцюють у вигляді комбінацій з 5 різних кроків. Вони по черзі міняються:<br /><br />Людина, що біжить, - найпопулярніший крок, коли шаффлер рухається на місці. Одна ступня піднімається з «чекаючої» позиції і переміщається вперед, а інша ступня ковзає назад. Потім ступня, яка вже ззаду, ковзає в первинну позицію, ступня спереду повертається назад. Процес повторюється під біт (такт) музики.<br />Шаффл у вигляді Т-движения. Шаффлер рухається на право лівою ступнею, потім вліво. Ця ступня переміщається тільки вліво і управо (за принципом «туди - назад»), в той час, як права ступня рухається вгору і вниз. Ця комбінація рухів повинна бути схожою на букву Т. Ето рух найпопулярніший серед шаффлеров.<br />Ковзання. Найзвичайніші ковзаючі рухи. Майже як у Майкла Джексона.<br />Прокрутки. Вони можуть бути «звичайними» або «інвертованими», тобто навпаки. Звичайна прокрутка виконується для обороту тіла за годинниковою стрілкою. Інвертована прокрутка - це теж саме, але проти годинникової стрілки. Обидві прокрутки виконуються під час танцю у випадковому порядку.<br />Кичок (удар ногою). Удари стопами об підлогу. Одна стопа попереду, друга стопа б'є об підлогу по місцю першої стопи. Під час переміщення першої стопи друга б'є по місцю першої стопи. Висота ніг при ударі може бути низькою і високою (коліна піднімаються майже до поясу). Точка удару ногою є збалансованій і контролюється.<br />Багато танцювальних рухів шаффла узято з інших стилів, таких як mimeing, popping, locking, liquiding, running man і breaking, які у результаті змішалися, «скомбінувалися».<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-4680189247862006058?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-70129274675541148132008-07-15T10:41:00.000-07:002009-03-15T10:44:43.649-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 207px; height: 307px;" src="http://www.samopoznanie.ru/userfiles/File/amio-1.jpg" alt="" border="0" /><br />Є достатньо широким феноменом, що включає багато стародавніх танців різних культур: доісторичні танці, танці Стародавньої Греції, Балкан, Македонії, танці народів Сходу.<br />Слід відрізняти народний і сакральний танець.<br />Останній завжди носить характер поклоніння або со-общения з чимось вищим, спробою налагодити контакт зі своїм глибинним Я, відповісти на питання "Хто Я? Для чого я тут?..."<br />Залишаючись практично невідомою в Росії, традиція сакрального танцю широко поширена в Європі як напрям танцювальній терапії, а також як самостійна медитативна течія.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-7012927467554114813?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-80995998480578510042008-07-13T10:58:00.000-07:002009-03-15T11:01:07.562-07:00Стиль транс, можливо, є найбільш неоднозначним жанром електронної танцювальної музики. Стисло він може бути визначений як мелодійний більш менш вільний стиль музики, на формування і розвиток якого надали найважливіший вплив такі напрями музики як індастріал (newwave), електронне техно-дісько з детройта і психоделічеськая музика сімдесятих. Із-за величезної різноманітності напрямів, що виділилися усередині даного стилю музики, достатньо складно виділити загальні риси жанру. Проте слід відмітити, що треки в цьому стилі зазвичай характеризуються гіпнотичними елементами (звідси назва -«{ транс) { і якостями гімну. Виходячи з цього, типовий трансовий трек може бути описаний як що складається з особливої (часто циклічною) мелодійної партії, розташованої над нескладною бас-лінієй, простій ударної партії і декількох додаткових звукових елементів для утворення структури і прискорення.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-8099599848057851004?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-45298067723907945832008-07-05T10:44:00.000-07:002009-03-15T10:52:41.542-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 250px; height: 367px;" src="http://www.day.kiev.ua/img/181932/83-7-1.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 250px; height: 310px;" src="http://www.day.kiev.ua/img/254720/180-8-1.jpg" alt="" border="0" /><br />один з напрямів сучасній зарубіжній хореографії, що зародилося в кон. XIX - почало. XX вв. у США і Германії. Термін «Танець модерну» з'явився в США для позначення сценічної хореографії, що відкидає традиційні балетні форми. Увійшовши до вживання, витіснив інші терміни (вільний танець, дунканізм, танець босоніжок, танець ритмопластики, виразний, експресіоніст, абсолютний, новий художній), що виникали в процесі розвитку цього напряму. Загальним для представників танцю модерном, незалежно від того, до якої течії вони належали і в який період проголошували свої естетичні програми, був намір створити нову хореографію, що відповідала, на їх думку, духовним потребам людини XX століття. Основні її принципи: відмова від канонів, втілення нових тим і сюжетів оригінальними танцювально-пластичними засобами. У прагненні до повної незалежності від традицій представники Т.м. пришли, врешті-решт, до ухвалення окремих технічних прийомів, в протиборстві з якими зародився новий напрям. Установка на повний відхід від традиційних балетних форм на практиці не змогла бути до кінця реалізована.Ідеї танець модерну передбачив відомий французький педагог і теоретик сценічного руху Ф. Дельсарт, що затверджував, що тільки жест, звільнений від умовності і стилізації (зокрема музичною), здатний правдиво передавати всі нюанси людських переживань. Його ідеї набули поширення на початку 20 в. після того, як були художньо реалізовані двома американськими танцівницями, що гастролювали в Європі.<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 340px; height: 475px;" src="http://www.mastan.ru/foto/glavn/jazz_modern.jpg" alt="" border="0" /><br />Л. Фуллер виступала в 1892 в Парижі. Її танець «Серпантин» будувався на ефектному поєднанні вільних рухів тіла, що стихійно породжуються музикою, і костюма - величезних покривал, що розвіваються, освітлених різноколірними прожекторами. Проте основоположником нового напряму в хореографії стала Айседора Дункан. Її проповідь оновленої античності, «танцю майбутнього», поверненого до природних форм, вільного не тільки від театральних умовностей, але і історичних і побутових, зробила великий вплив на багато діячів мистецтва що прагнули звільнитися від академічних догм. Джерелом натхнення Дункан рахувала природу. Виражаючи особисті відчуття, її мистецтво не мало загальних рис з якою-небудь хореографічною системою. Воно зверталося до героїчних і романтичних образів, породжених музикою такого ж характеру. Техніка не була складною, але порівняно обмеженим набором рухів і поз танцівниця передавала якнайтонші відтінки емоцій, наповнюючи прості жести глибоким поетичним змістом. Дункан не створила закінченої школи, хоча і відкрила шлях новому в хореографічному мистецтві. Імпровізационность, танець босоніж, відмова від традиційного балетного костюма, звернення до симфонічної і камерної музики - всі ці принципові нововведення Дункан зумовили шляхи танцю модерну. У Росії одними з перших її послідовників були студії вільного, або пластичного танцю і музичного руху.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-4529806772390794583?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-2033509965204098222008-07-01T10:56:00.000-07:002009-03-15T10:58:00.248-07:00Ритм-энд-блюз (англ. rhythm-and-blues, скорочено R&amp;b) - найширше позначення всієї музики, що виконується чорношкірими музикантами і що не вписується у визначення джазу і госпела. Термін був введений в обіг в 1949 році укладачами чартов журналу «Billboard» замість декілька зневажливого виразу «расова музика» (race music), поширеного раніше.<br /><br />З ослабленням расової сегрегації в США термін «ритм-енд-блюз» еволюціонував у бік позначення широкого спектру музики «соул» і «фанк», виконуваною музикантами всіх рас і національностей. Не прийнято включати до складу ритм-енд-блюзу долю, хип-хоп і реггі, що склалися як самостійні напрями в пізніший період.<br /><br />Американська академія звукозапису щорічно вручає премії «Греммі» в номінаціях «кращий чоловічий вокал в стилі ритм-енд-блюз», «кращий жіночий вокал в стилі ритм-енд-блюз», «кращого вокального виконання в стилі ритм-енд-блюз в дуеті або групою», «краща пісня в стилі ритм-енд-блюз», «кращий альбом сучасного ритм-енд-блюзу», «кращого виконання в стилі традиційного ритм-енд-блюзу», «кращого інструментального виконання в стилі ритм-енд-блюз».Переселение цих виконавців в міста було пов'язано із становленням негритянських звукозаписних компаній, продукція яких розповсюджувалася в «чорних» гетто великих міст: музиканти, що приїжджають для запису, часто залишалися в містах, влаштовуючись на роботу спочатку на звичайні промислові підприємства, а потім як виконавці в «чорні» клуби, бари і дансинги. При цьому виконавці кантри-блюза, що акомпанують собі на акустичний гітарі зіткнулися з тим, що в галасливих закладах вони просто не було чутно: тоді-то і почали застосовуватися мікрофони, звукознімачі для гітари і електрооргани. У 1939 році з'явилася електрогітара. Електрифікація і впровадження нової техніки сприяли не тільки розвитку звукозапису, але фактично стали причиною виникнення нового стилю блюзу. Тепер група з чотирьох чоловік стала здатна грати голосніше і могутніше, ніж традиційний великий біг-бенд з вісімнадцяти виконавців. Новий стиль поступово набирав популярність, витісняючи конкурентів, і в 1949 році в журналі «Billboard» з'явився термін «ритм-енд-блюз», що відбивав зміни, що склалися.<br /><br />Ритм-энд-блюз став масовою, комерційною музикою, орієнтованою на ринок. В порівнянні з традиційним блюзом новий стиль став гучнішим і агресивнішим, розгубивши деякі достоїнства тихого сільського блюзу, його нюанси і інтимність. Ритм-энд-блюз став набагато одноманітнішим, на перше місце вийшла розважальна і танцювальна. Група виконавців почала домінувати над солістом і функція самовираження останнього, традиційна для «старого» блюзу відійшла на задній план.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-203350996520409822?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-90654339363148041682008-06-27T10:27:00.000-07:002009-03-15T10:41:15.679-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 435px; height: 290px;" src="http://www.dancefusion.ru/photos/otchetniy_2007/hip-hop/4.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 350px; height: 525px;" src="http://chapkis.com.ua/img/napravlenie/big/hip-hop.jpg" alt="" border="0" /><br />Молодіжна субкультура, що з'явилася в США в кінці 1970-х в середовищі афроамеріканцев. Для неї характерні своя музика (також звана «хип-хоп»), свій жаргон, своя мода, танцювальні стилі (брейк-данс і ін.), графічне мистецтво (граффіті) і свій кінематограф. На початок 1990-х рр. хип-хоп став частиною молодіжної культури в багатьох країнах світу. У даній статті розглядається музика в стилі хип-хоп і загальні елементи субкультури хип-хопа.Музыка хип-хопа складається з двох основних елементів: репу (ритмічного речитативу з чітко позначеними римами) і ритму, що задається ді-джєєм; в той же час нерідкі композиції без вокалу. У такій комбінації виконавці репу називають себе «эм-си» (англ. МС - Microphone Controller або Master of Ceremony). Пріоритетним і найбільш оцінюваним вважається мистецтво рими, яку «эм-си» в гонитві за новаторством часто складають в збиток сенсу тексту, що, у свою чергу, перетворює його на заплутані загадки (напр. Гостфейс Килла говорить, що навмисне прагне складати такі рими, щоб ніхто не зрозумів, окрім нього, про що йде мова). У завдання одного або декількох ді-джєєв входить програмування ритму на драм-машине, семплірованіє (використання фрагментів чужих композицій, особливо партій баса і синтезаторів), маніпуляції з вініловими пластинками і іноді «бітбоксинг» (вокальна імітація ритму драм-машини). На сцені музиканти часто супроводжуються танцювальним ансамблем.<br /><br />В даний час хип-хоп є одним з найбільш комерційно успішних видів сучасної розважальної музики і стилістично представлений безліччю напрямів усередині жанру.Хип-хоп став першою музикою, найповніше і сучасної афроамеріканськой культури, що самобутньо утілила ідеологію. Ця ідеологія була побудована на антагонізмі американській білій, англо-саксонськой культурі. За минулі десятиліття сформувалася також своя мода, корінним чином відмінна від традиційної моди білого населення, свій жаргон і своя культивована манера вимови, танцювальні стилі, своє графічне мистецтво - «граффіті» (зображення і написи на стінах, зроблені аерозольними балончикамі або спеціальними маркерами з фарбою) і останнім часом також кіно (не обов'язково про репперов, але що сюжетно бере теми з негритянського середовища, див. фільми «Перукарня», «Hustle And Flow», «Не загрожуй Південному Централу попиваючи сік у себе в кварталі»; реппери також все більше починають стає кіноакторами). Таким чином, провести чітку межу власне хип-хопом і сучасною афро-амеріканськой субкультурою стає складно.<br /><br />Не дивлячись на змінну щороку моду хип-хопа, в цілому вона має ряд характерних особливостей. Одяг, як правило, вільний, спортивного стилю: кросовки і бейсболки(як правило з прямими козирками) відомих брендів (напр. Reebok, Roca Wear, FUBU, Wu-wear, Sean John,akademiks,ecko), футболки і баскетбольні майки, куртки і толстовці з капюшонами, лижні насунені на брові шапки, мішкуваті штани (так звані «труби»), приспущені широкі шорти. Зачіски короткі, хоча також популярні короткі африканські кіски. У самих репперов популярністю користуються масивні прикраси (ланцюги, медальйони і ін.).<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-9065433936314804168?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-53555484475973107562008-06-25T10:21:00.000-07:002009-03-15T10:27:23.351-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 480px; height: 359px;" src="http://altern777.narod.ru/15.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 335px; height: 500px;" src="http://www.break-dance.ru/data/users/dj-remmakco/photos/original/slabo.jpg?1215215502" alt="" border="0" /><br />Брейк-данс - це один з найсучасніших і динамічніших стилів. «Брейкдансинг» (англ. Breakdancing) ніколи не був терміном, використовуваним самими його виконавцями. Вони вважали за краще називати себе «Бі-бойз» (англ. B-boys) і «Бі-герлз» (англ. B-girls). Само слово знайшло популярність в 80-х роках, коли воно стало надбанням громадськості. Девід Тупий (David Toop) описує брейкданс як адаптацію Брейка (англ. Break), танцю, що був популярним до того як його зігнав Freak, але що знов піднявся на висоту завдяки таким виконавцям як Nigga Twins, Spy і Zulu Kings. Проте один з родоначальників хип-хопа, Dj Kool Herc стверджує, що слово breaking походить від сленгового слова break, що позначає щось божевільне, що власне і робили танцюристи.<br /><br />Молодий, бунтарський дух вулиці утілився в запаморочливих обертаннях і запаморочливих акробатичних трюках.<br /><br />Брейк-данс здається настільки відмінним від всіх інших видів танцю, що перше, що люди питають, коли бачать це: "Де ці хлоп'ята так навчилися танцювати?" - адже ні в одному танці немає стількох акробатичних елементів, як в брейк-дансе.<br /><br />Практично в кожному кліпі можна зустріти його елементи. Брейк захоплює дух і володіє розумами величезної частини молоді у всьому світі.<br /><br />Минуле.<br />Брейкинг, яким ми знаємо його сьогодні, з'явився в Нью-Йорку в кінці семідесятих-начале восьмидесятих років двадцятого століття.<br /><br />Піонерами брейкинга в основному були молоді негри і іспанці з нижчих соціальних шарів густонаселених міських районів.<br /><br />Одним з його творців був легендарний Африка Бамбаата, ді-джей і визнаний родоначальник хип-хопа. При нім ворогуючі угрупування підлітків і молоді почали "з'ясовувати" свої відносини не в бійці, а в брейке - хто кого перетанцює, той і переміг. Він говорив молодим забіякам з Бронкса: "Боріться за допомогою творчості, а не за допомогою зброї"<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-5355548447597310756?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-54903639766207144422008-06-24T14:05:00.000-07:002009-03-14T14:09:49.856-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 392px; height: 287px;" src="http://cdt.uobr.ru/data/photos/3_q0o3k.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 298px; height: 200px;" src="http://spec-cor.narod.ru/picture/foto29.jpg" alt="" border="0" /><br />Урочистий танець-хід в помірному темпі, що має польське походження. Виконувався як правило на початку балів, підкреслюючи урочистий, піднесений характер свята. У полонезі танцюючі пари рухаються по встановленими правилами геометричним фігурам. Музичний розмір танцю - V.Возникший у Польщі біля XV століття під ім'ям «ходзоний» (польськ. chodzony) спершу полонез був виключно весільним танцем. Потім, дещо видозмінившись, він зробився неодмінним атрибутом будь-яких народних торжеств. Саме величний полонез відкривав танці на будь-якому народному святі.<br /><br />Часто розмірений і плавний полонез перемежався іншими народними танцями, такими як мазурка або оберек: молодь, що веселиться, зробивши декілька фігур полонеза, без відома музикантів прискорювала темп і переходила до швидших танців. Оркестр в таких випадках слідував за танцюючими. Потім, втомившись від швидких і складних рухів мазурки або оберека, молодь також раптово знов переходила на полонез. В результаті частий полонез не тільки починав, але і закінчував танці, як би обрамляючи їх.<br /><br />У всіх областях Польщі народний полонез танцювали з пріпевкамі. Найкрасивіший куплет, що заспівав, отримував право вести танець. Його, у свою чергу, міг змінити через декілька фігур новий переможець.<br /><br />Полонез був одним з найулюбленіших поляками народних танців. Його порівняно невитіювату хореографію селяни старанно прикрашали додатковими деталями. Наприклад, в XVI-XVII століттях дівчини танцювали ходзоний у вінках. Йдучи одна за одною, дівчата тайком поглядаючи на хлопців, що слідували за ними. Потім дівчата знімали вінки і дарили їх хлопцям, які їм подобалися і своїм коханим, і лише після цього складали пари танцю. Хлопців і дівчат змінювали сімейні пари. Молодим людям в таких випадках не дозволялося танцювати із заміжніми жінкою або вдовами.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-5490363976620714442?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-2924477715690797462008-06-24T14:01:00.000-07:002009-03-14T14:05:32.530-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 240px; height: 342px;" src="http://www.qli.ru/wp-content/uploads/2008/05/29.jpg" alt="" border="0" /><br />Спочатку мерензі розуміли як музику людей, що володіють інструментами, які є майже у всіх і які легко дістати: домініканська бандурріяї венесуельська гітара. В кінці 19 музику почали грати на акордеоні, саксофоні, боксбассе з металевими щипковими клавішами...<br /><br />Проте із-за мелодійних обмежень акордеона музика теж стала обмеженою - і мерензі переробили.<br /><br />Рухи меренги прості, а кількість клубів, де її танцюють, росте з кожним днем. Музика меренги ритмічна і приємна не тільки для тих, хто під неї рухається, але і для тих, хто її просто слухає.<br /><br />Ритм меренги - двохчетвертний, що додає основному кроку танцю характерне похитування. Відповідно простому ритму і рухи танцю - настільки прості, що їх може танцювати буквально кожен, навіть не маючи попередньої підготовки. Якщо ви можете ходити, значить, ви зможете і танцювати меренгу. Вона не вимагає простору, танцювати її можна на будь-якому п'ятачку вільного простору. Партнер веде свою партнерку акуратно, ненав'язливо, допомагаючи їй робити повільні повороти - настільки повільні, що один поворот займає деколи вісім кроків. Досвідченіші танцюристи роблять свої повороти за чотири кроки. Саме ці повороти плюс завзята музика і складають основу меренги. Мерензі характеризується швидким темпом і умовно складається з трьох частин: ритмічна частина, мелодійна частина, вокал. Для виконання мерензі необхідно не менше трьох музичних інструментів, два з яких - традиційні для Антільських островів: гуїра (або гуїро) і тамбора. Тамбора - ударний інструмент африканського походження, дерев'яний барабан, обтягнутий козлиними шкурами. На тамборе грають, ударяючи долонею по одній стороні і дерев'яною паличкою - по іншій стороні, а також по ободу. Гуїра - інструмент з плоду сушеного гарбуза, на який наносили горизонтальні насічки, проводячи по яких дерев'яною паличкою, витягували звук. У сучасному мерензі також використовується гуїра з жерсті, яка має вид трубки з гофрованими стінками. Обидва цих інструменту відповідають за ритмічну частину мерензі і використовуються як у фольклорному, так і в популярному варіантах.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-292447771569079746?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-66432136159464229002008-06-17T10:16:00.000-07:002009-03-15T10:19:27.817-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 350px; height: 520px;" src="http://www.luckydance.ru/UserFiles/Image/41.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 307px; height: 378px;" src="http://mamboclub.narod.ru/pages/fotos/gallery12/pictures/large/champions_hustle_angelo.jpg" alt="" border="0" /><br />Дісько танці з'явилися в середині 70-х років. Їх простота, легкість навчання, дивовижна бадьорість - все це створило таку популярність, яка актуальна і по сьогоднішній день. Мелодія "Танцюй хастл-do hustle" вийшла після знаменитого фільму "Лихоманка в суботу увечері". Зірка Голлівуду Джон Траволта, популярна група Bee Gees, прості і мелодійні мелодії піднесли дісько-рітми і танці в стилі хастл на вершину популярності. Миготливе світло, дзеркальні стіни, голосно пульсуючий ритми, висока мода і багато що інше зробили дісько танець найбільш бажаним у все мирі.<br /><br />Хастл принципово заснований на зміні партнерів. Ідея і своєрідна краса хастла саме в тому, що можна запросити будь-яку партнерку і відразу танцювати без заучування постійної схеми, імпровізуючи. Це танець чистого ведення, де партнерка взагалі може не знати, яку фігуру вона танцюватиме в наступну мить. Тому наявність постійної пари може навіть в якомусь сенсі негативно вплинути на навчання - в постійній парі помилки ведення не так видні і тому не виправляються, а заучуються.<br /><br />Навчання хастлу - це заняття для нетерплячих, через пару тижнів тренувань вже можна відчувати себе більш-менш упевнено на дискотеці, а через рік-два за наявності відповідних даних стати справжнім віртуозом. Як правило, початковий курс навчання хастлу займає близько двох місяців, за які освоюються принципи руху, ведення і обертань і вивчається базовий набір рухів, а потім можна скільки завгодно удосконалюватися, навертати рухи, вивчати важку підтримку і акробатичні елементи, загалом, розважатися собі на втіху.<br /><br />Привабливість і легкість цього танцю - в його універсальності. Його можна виконувати практично під будь-яку музику, як швидку, так і повільну, на будь-якій дискотеці, а набір рухів обмежений тільки фантазією танцюючих.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-6643213615946422900?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-11350804150745037092008-06-14T13:56:00.000-07:002009-03-14T14:01:38.645-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 200px; height: 347px;" src="http://www.planetashkol.ru/upload/content/pics/articles/dsbachatatango.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 266px; height: 392px;" src="http://www.cuba.com.ua/cuba-music/dancing-bachata.jpg" alt="" border="0" /><br />У музичному відношенні бачата є сумішшю болеро і домініканського сона, при цьому характерною особливістю бачати є відсутність в ній ритму «клаве», що підтверджує її оригінальне домініканське походження. Проте, на розвиток бачати зробили вплив такі виконавці і композитори, як тріо «Лос Панчос» (Los Panchos), тріо «Матаморос» (Matamoros) і Хуліо Харамільо (Julio Jaramillo).<br /><br />Довгий час в Домініканській Республіці існувала негласна заборона бачати як «низького жанру»: пісні в цьому стилі не ставилися на дискотеках і не передавалися по радіо (виняток становила лише станція «Радіо Гуарачита» (Radio Guarachita), записи не продавалися в магазинах грамзапису.<br /><br />Переломним часом в історії бачати стали 80-і роки XX століття. До цього бачату в своїй творчості використовували лише виконавці так званої «альтернативної музики», які наспівували ці сумні пісні на нічних вечірках як свій рід емоційної розрядки. З часом музиканти зрозуміли, що бачата чудово підходить для передачі таких відчуттів, як ностальгія, меланхолія і туга і почали ширшим використовувати цю її експресивну сторону.<br /><br />Піонером сучасної бачати можна по праву назвати Луіса Діаса (Luis D az). Бачата привернула його увагу в 1970-і роки, коли він пильно займався вивченням домініканського фольклору. Разом з групою «Конвіте» (Convite) Діас почав записувати пісні цього стилю різних форм і змісту; проте значення бачати як важливої культури домініканського суспільства, що становить, оцінив лише в 1984 році. У 1985 році Діас записав альбом, який назвав «Засмучений Луіс Діас» (Luis D az amargado), а в 1987 році - спродюсированний Діасом диск співачки Соньі Сильвестрі (Sonia Silvestre) «Серце Вільонери» (Coraz n de Villonera), що став «першою ластівкою» нового стилю, що отримав назву «необачати» (neobachata) або «техно-амарге» (techno-amargue). Незабаром Соньа Сильвестрі стала популярним виконавцем необачати, а його репертуарі з'явилася нова пісня «Я хочу руху» (Yo quiero andar), автором якої, крім Луіса Діаса, був інший реформатор бачати - Мануель Техада (Manuel Tejada) (саме він ввів в аранжування бачат акордеон і синтезатор, ще одним прикладом чого може служити пісня Віктора Віктора (V ctor V ctor) «Така моя любов» (As es mi amor) 1993 року).<br /><br />Хуан Луіс Герра на концерті в Бостоні, Массачусетс, Сшано основною віхою в сучасній історії бачати став альбом Хуана Луіса Герри «Рожева бачата» (Bachata rosa). Випущений в 1990 році, він мав величезний успіх і зломив упередження, що існує в Домініканській Республіці, проти бачати; тепер вона стала популярна навіть у вищих шарах домініканського суспільства.<br /><br />На початок 90-х років в бачате склалися три основні напрями, пов'язані з музикантами, що «просували» їх: стиль Луіса Діаса, Хуана Луіса Герри і Віктора Віктора. Саме ці виконавці зруйнували стереотипно негативне відношення до бачате і сприяли її подальшому розвитку.<br /><br />Економічні, соціальні і культурні перетворення в Домініканській Республіці привели до того, що бачата придбала популярність і популярність не тільки у себе на батьківщині, але і за її межами. Нові виконавці, такі як Антоні Сантос (Antony Santos), Раулін Родрігес (Raul n Rodr guez) і Луіс Варгас (Luis Vargas), внесли свої зміни в традиційну бачату, які торкнулися не тільки музики, але і текстів: слова пісень стали більш вольними, іноді навіть зухвалими, а музика - швидшою, відповідною ритму міста.<br /><br />Зараз бачата стала настільки популярна в Домініканській Республіці, що без неї не обходиться жодна дискотека, вечірка або свято. З появою нових виконавців бачати, чия музика наближеніша до західних стандартів, - Франка Рейеса (Frank Reyes), Мончи і Александри (Monchy у Alexandra), Луіса Мігеля дель Амарге (Luis Miguel del Amargue) і інших, популярність бачати стрімко росте за межами Домініканської республіки; її слухають тепер не тільки на батьківщині, але і в США, Мексиці, Іспанії і багатьох інших країнах.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-1135080415074503709?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-69264461332609166182008-06-10T13:52:00.000-07:002009-03-14T13:56:08.620-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 250px; height: 386px;" src="http://mashaska-p.narod.ru/images/salsa.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 299px; height: 275px;" src="http://travel.myslo.ru/wp-content/uploads/2008/08/salsa.JPG" alt="" border="0" /><br />На сьогоднішній день в сальсе існує чотири визнані танцювальні стилі: кубинська сальса - касино (casino), лос-анджелесський стиль, нью-йоркський стиль і так званий "фристайл". Слід також виділити "руеда" - колективного виконання касино.<br /><br />Життя музичному явищу, званому сьогодні сальсой, дали кубинці. З іншого боку, пуерторіканці більш за інші латиноамериканські народи розвивали і пропагували цей музичний стиль. Колумбійці залишаються хранителями музичної традиції сальси, тоді як інші сучасні музиканти продовжують свої експерименти в рамках стилю.<br /><br />Є декілька версій походження назви "сальса". Загальновідомо, що salsa позначає "соус". За однією з версій, в одному маленькому клубі Майамі виступала одного разу увечері група, що виконувала кубинську музику, і ця музика настільки "завела" присутній народ, що всі дружно почали кричати: "Salsa! Salsa!", маючи на увазі, що музика була так само гостра і гаряча, як соус, яким приправляли блюда в цьому закладі.<br />Перш за все, відчувати ритм. Його можна відчути тільки емоційно, тому що в сальсе немає акценту на спеціально відпрацьовані рухи. Виберете саме ту пісню, яка вам подобається, її легше слухатиме постійно. Починайте рухатися під звуки пісні. Забудьте про "на раз" або "на два", просто прагніть відчути звуки, ритми і паузи, і рухайтеся саме під них.<br /><br />Якщо не знаєте ніяких рухів і не можете нічого придумати, то наступного разу, як прийдете в клуб, сядьте і дивіться, а ще краще, знімайте на відеокамеру. Удома буде, чим зайнятися.<br /><br />Якщо Ви вирішили навчатися мистецтву сальса в танцювальній школі, то за рік, за два ви досягнете дуже добрих результатів. Початковому рівню можна навчитися за полгода, а для веселого невимушеного проведення часу в латиноамериканському клубі - достатньо початкових елементів.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-6926446133260916618?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-23492316437099430012008-05-28T13:46:00.000-07:002009-03-14T13:51:54.687-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 200px; height: 320px;" src="http://www.newizv.ru/images/photos/other/20050316211912_14-flamenko.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 376px; height: 307px;" src="http://static.diary.ru/userdir/9/7/0/3/970386/35389717.jpg" alt="" border="0" /><br />Витоки фламенко слід шукати ще в мавританській музичній культурі. Істотно вплинула на цей стиль і циганська музика -{ багато хто вважає основними, дійсними носіями стилю саме іспанських циганів. У XV столітті до Іспанії з Візантії, що рушиться, прибули цигани, розселилися по південному побережжю країни в провінції Андалусия; по своєму звичаю, вони почали переймати і переосмислять місцеві музичні традиції, такі як мавританська, єврейська і власне іспанська; і з цього сплаву музичних традицій, переосмисленого спочатку циганами, а потім іспанцями, народилося фламенко.par<br />« закритим мистецтвом», оскільки цигани жили ізольованою групою; фламенко формувалося у вузьких кругах. Але в кінці XVIII століття гоніння на циганів припинили, і фламенко вийшло на підмостки таверн і кафе кантанте, знайшло свободу.<br /><br />В кінці XX століття фламенко починає вбирати в себе кубинські мелодії і джазові мотиви; і, крім того, елементи класичного балету придбали там своє постійне місце. Найбільш відомий танцюрист фламенко Хоакин Кортес, який відновив поняття танцю фламенко, позбавив його від « канонічного стандарту» і вніс до нього новий живий струмінь і виразність.<br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 300px; height: 400px;" src="http://afisha.yuga.ru/media/flamenco.jpg" alt="" border="0" /><br />Імпровізаційний характер фламенко, складний ритм і специфічна техніка виконання нерідко перешкоджають точному нотному запису мелодій фламенко. Тому мистецтво як гітариста, так і танцюриста, і співака зазвичай передається від майстра до учня.Важливий елемент образу танцівниці (байлаори) - традиційне плаття, зване bata de cola, - типове для фламенко плаття, зазвичай до підлоги, часто з різноколірного матеріалу в горошок, прикрашене воланами і воланами. Прообразом цього плаття стало традиційне одіяння циганок. Невід'ємною частиною танцю є витончена гра з Подолом плаття. Традиційний одяг балайора - темні брюки, широкий пояс і біла сорочка з широкими рукавами. Іноді краї сорочки зав'язуються спереду на поясі. Короткий жилет-болеро, звана чалеко (chaleco), іноді надягає поверх сорочки.<br /><br /><br />іспанська шаль - мантоніспанськая шаль з дуже довгими кистями - один з класичних атрибутів жіночого танцю фламенко: шаль то закручується навколо стану танцівниці, підкреслюючи стрункий жіночий силует, то спадає з плечей, утворюючи силует великою, красивою, мятущейся птахи. Ще один класичний жіночий атрибут фламенко - велике віяло. Існує думка про кастаньєти як неодмінний атрибут танцю фламенко. Але найчастіше ритм відбивається каблуками (сапатеадо), клацанням пальців (пітос) або бавовною долонь (пальмас). Найбільш чисті форми фламенко уникають використання кастаньєт, оскільки вони обмежують можливість пристрасної і виразної гри грон рук.<br /><br />Сьогодні фламенко особливо цікавить сучасних хореографів, оскільки вони бачать в цьому мистецтві великі можливості для творчості, для введення новацій в хореографію.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-2349231643709943001?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-11875815976700331262008-05-14T13:30:00.000-07:002009-03-14T13:33:31.000-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 391px; height: 500px;" src="http://www.fitness-portal.ru/images/dance_8b.jpg" alt="" border="0" /><br />Вперше бої биків з'явилися на острові Кріт, але тільки в 1700-х вони почали проводитися в Іспанії. Танець вперше був виконаний у Франції в 1920 році, став популярним у вищому паризькому суспільстві в 1930-х, тому багато кроків і фігури мають французькі назви. Після Другої Світової війни пасодобль був включений в латино-американскую програму спортивних бальних танців.Основна відмінність пасодобля від інших танців - це позиція корпусу з високо піднятими грудьми, широкі і опущені плечі, жорстко фіксована головою, в деяких рухах нахилена вперед і вниз. Така постановка корпусу соответвуєт соответвуєт характеру рухів матадор. Рухи можна інтерпретувати як битву матадора з биком. Вага корпусу попереду, але більшість кроків робляться з каблука. Це єдиний танець, в якому для додання додаткового акцентування використовуються удари каблуками по паркету.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-1187581597670033126?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-87445947269922216272008-05-12T13:40:00.000-07:002009-03-14T13:45:30.071-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 415px; height: 338px;" src="http://r.foto.radikal.ru/0704/c2/dacf93ae277b.jpg" alt="" border="0" /><br /><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 300px; height: 450px;" src="http://dokumentalka.ru/uploads/posts/1200941436_94_427702.jpg" alt="" border="0" /><br /> Достовірні відомості про капоейру починаються з XVIII століття, але, фактично, вона зародилася декілька раніше. Згідно загальноприйнятої версії, капоейра виникла в Південній Америці завдяки чорношкірим рабам, яких португальці привозили з інших колоній -{ Анголи, Мозамбіку, Гвінеї, Конго. Унаслідок жорстокого звернення Бразільських рабовласників частина рабів бігла в сельву, де африканська релігія і культура зустрілася з індіанською. Збіглі селилися в киломбуш (ед.ч. -{ киломбу) -«{ вольних містах { з субкультури яких і почала своє розповсюдження капоейра.par<br /><br /><br />субкультура африканського національного танцю. Спочатку вона не несла в собі бойового аспекту, який з'явився вже пізніше, на території Бразилії.<br />африканського ритуального бойового танцю « нголо» («n’golo»), що був невід'ємним атрибутом обряду ініціації в південних районах Анголи, і що зображав танець зебр - молоді воїни вступали в ритуальний бій один з одним.<br />Проте, не дивлячись на різні версії, якості танцю в капоейрі присутні.<br /><br />Розвиток капоейри у той час нерозривно пов'язаний з легендарним героєм - Зумбі, який став для народу Бразилії символом опору. Зумбі душ Палмареш (порт. Zumbi dos Palmares) очолював один з найбільших киломбуш, який проіснував в умовах урядової блокади близько сімдесяти років.Спори щодо етимології слова « капоейра» не припиняються до цих пір. Найпоширеніші версії:<br /><br />слово «capoeira» походить з мовної групи тупі-гуарані, до якої належить мова індійців тупи і означає « поле, заросле чагарником, яке розчищалося випалюванням або вирубкою»<br />порт. capoeira - клітка для курей, а також місце, де годують кури.<br />«capoeira» - спотворене звучання слів kipula/kipura з мови киконго (за версією дослідника народу баконго, ученого Фу-киау Бунсеки (K. Kia Bunseki Fu-kiau).<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-8744594726992221627?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2664744825587380137.post-42961772261949105202008-05-11T13:36:00.000-07:002009-03-14T13:39:38.494-07:00<img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 422px; height: 550px;" src="http://students.uni-vologda.ac.ru/pages/pm05/oau/images/mini/SlowWaltz.jpg" alt="" border="0" /><br />Положення в парі для вальсу таке ж, як в інших танцях європейської програми: у нижній частині тіла відстань між партнером і партнеркою мінімально, вище партнерка створює шейп, завдання партнера - створити умови для партнерки, в яких вона може рухатися. Крім того, партнерка повинна бути зміщена управо щодо партнера для виконання так званого «правого» вальсу, тобто вальсу, в якому черговий такт починається з кроку правою ногою.Розглянемо повільний вальс з погляду партнера, початківця особою по напряму танцю. Перший крок виконується «з каблука», з деяким поворотом ступні управо (для «правого» вальсу). Залежно від необхідності цей крок може бути різним по довжині. Другий крок полягає в «обході» навколо партнерки, його складність багато в чому залежить від того, на який кут пара обернулася за перший крок, оскільки сумарний кут повинен скласти близько 180 градусів. Другий крок, крім того, виконується з підняттям щодо останніх кроків. Третій крок - приставляння вільної ноги.<br /><br />Рух назад починається з кроку назад лівою ногою. В цей час партнерка виконує вищеописаний крок з правої ноги вперед. Перший крок другого такту повинен відповідати кроку партнерки і навпаки. Другий крок другого такту залежно від досвідченості танцюючих і конкретного завдання може бути невеликим або навпаки широким, але, так або інакше, за цей крок необхідно зробити поворот до 180 градусів, тобто завершити повний оборот пари. Третій крок - знову приставляння ноги.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2664744825587380137-4296177226194910520?l=flasht.ru'/></div>fgvcbasd6@rambler.runoreply@blogger.com0